期末《肖像》

《肖像》

延伸期中的概念，以人死後肖像代表自己為發想

為什麼肖相一定是個人頭照才能代表自己

當我們看到過去的人的遺照時，我們看到的是什麼

或許是一個影子，又或許看了就忘像陌生人一樣

是否有一個主要的物件更能呈現出內在的自己，而不是外在的表皮

觀者也將眼前所見，集中在一件事物上

透過這個物件觀者開始做思考、想像

物件是從個人身上所擷取出來的元素

在顏色上是從人出生候有意識開始填上，各個部分都有主要色調

由上至下區分為過去現在未來的ㄧ種時間上的階段性

我想做的是透過怎樣的形式肖像

從圖形、顏色、數量去思考這一個人

創作方式[電腦繪圖、影片]

讓本人自行決定代表自己的物件，選出代表自己過去、現在、未來的顏色。

大小

18*21

形式

數位輸出、影片投影

[※動畫:因為平面給人的感覺是停止的狀態，想要呈現的是時間性，加上物件特有的音效，製造出一幅有聲會動且有階段性的肖像。]

作品I 12/16

王九思[西遊記 ‧ 妖精 時尚藝術特展 ‧]

台灣時尚藝術家王九思 x 法國巴黎瘋馬秀

來自法國巴黎的瘋馬秀60年來首次與亞洲的藝術家及創意團隊合作
激盪出東西方文化交流的創意火花！
西遊記 ‧ 妖精 
時尚藝術特展

Le Crazy Horse x Jeffrey Wang 王九思 ＆ BLANQ
來自台灣的時尚藝術家王九思Jeffrey Wang與頂尖創意團隊BLANQ，代表亞洲與首次來台進行世界巡演的法國知名瘋馬秀Le Crazy Horse合作，為瘋馬女郎打造前所未有、融合中國意象的前衛影像作品『西遊記 ‧ 妖精』，不僅僅是結合時尚與藝術，更是跨越古今東西的藩籬，將為當今文化藝術帶來全新的創意衝擊！

作品概念The Concept：
Crazy Horse Paris 巴黎瘋馬秀。女性軀體如同畫布。光影虛實之間勾引出肢體誘惑。
BLANQ 新作-西遊記.妖精。魅惑心計奪取獵物。東方圖騰藝術描繪出感官情慾。
2011 BLANQ 作品，以西遊記中妖精的鮮明角色為藍本，
利用中國文學與東方元素，結合光影投射於巴黎瘋馬秀女郎完美曲線，
全新的時尚表現手法，表達藝術和慾望的極致融合，每段故事的投射魅力與肢體誘惑，豐富視覺上的遐思，看與被看之間，是誰在撩撥誰…….

一開始在猜這幾位各代表的是西遊記裡的哪些妖精時，靠的是身上文字以及頭髮的顏色，當確定了角色，才細細的趣觀察欣賞其中的姿勢與身上的圖騰，最吸引我的是身上的文字，文字融合了中西方的筆觸而形成，雖然整體的感覺都偏向西方，但整體所散發出來的時尚美感仍然抓住了觀者的眼睛。另一方面，身上的圖騰是用投影的方式，如果是直接畫上去我可能就不會那麼喜歡。

袁廣鳴

袁廣鳴生於台灣台北（1965~），是早期台灣錄像藝術的先鋒，自1984年開始從事錄像藝術創作，也是目前台灣活躍於國際媒體藝術界中知名的藝術家之一。1997年得到德國卡斯魯造型藝術學院、媒體藝術碩士學位，是台灣少數受過正規完整的媒體藝術訓練的藝術家。目前任教於國立台北藝術大學新媒體藝術學系副教授。

他的作品以象徵隱喻、結合科技媒材的手法，深刻傳達出人們當下的生存狀態，並且對人的感知及意識有著極具詩意的深入展現。1992年的錄像投影作品《盤中魚》展出後，隨即獲得台灣藝術圈高度肯定，1998年的互動投影裝置《難眠的理由》更使他得到國際觀眾的注意，2002年「人間失格」系列更奠定了在台灣當代媒體藝術中不可動搖的地位，至今，這些作品一直不斷受邀在世界各地展出。

2007年之後袁廣鳴全心致力於錄像藝術新的可能，《逝去中的風景》（2007）開創出以一種介於錄像藝術與電影之間的新型格式的動態影像作品，展現出一種迷人的劇場式日常。2011年推出的個展「在記憶之前」，則集結了常年來對於動態影像深入看法，分別以同步多投影、月光粉殘影的形式呈現「時間與記憶」及「身體與感知」的大型創作 。

袁廣鳴受邀大型展覽不勝枚數，橫跨了亞洲、歐美的各大美術館、藝術中心及畫廊，其中包括「第五十屆威尼斯雙年展」台灣館，美國舊金山現代藝術美術館的「01.01:Art in Technological Times」，「日本ICC1997媒體藝術雙年展」，「廣州三年展」，「英國利物普雙年展」，「紐西蘭奧克蘭三年展」，「新加坡雙年展」，「台北雙年展」，「漢城國際媒體藝術雙年展」等。作品也受國內外美術館及私人收藏家等單位典藏，也曾擔任台北市立美術館典藏委員、台北獎、台北縣美獎、公共藝術、威尼斯雙年展台灣館、及美國亞洲協會美術獎評審等。

妻居如詩

單頻道錄像，5分鐘

指向

三頻道錄像，6分鐘

袁廣鳴是一位關心政治、社會的藝術家，在這次的錄像作品鐘都能看到，像是《占領第561小時》清楚的記錄當時學運的影像，而《妻居如詩》一開始的畫面是舒適的午後時光，但卻突然來個驚人的大爆炸，轉眼間舒適的環境變成了最危險的場所，從他這幾個錄像作品看來，或許想表達對政治環境與社會的不滿?!就像標題《不舒適的明日》。

何采柔

創作自述 Artist Statement
在事件發生的前一刻，總是充滿想像的。 「序幕」的目的是引發觀眾的懸念，身為一個藝術家，觀者的懸念一直是我創作的動力。它來自於一種藝術家在觸發事件發生前的心理對話。生活中的細微末節都有可能是揭開序幕的儀式，如一個餐會過程中，開門，關門。從室內走到室外，從窗外看進房間，與他人的相逢與離別...，有時候甚至覺得停留在序幕是能夠延續懸念之最美的時間框架。 裝置作品

  

         

繪畫

求生的本能
上/ 2012畫布45x60cm /油

我們在一起
90X120cm /油/ 2011油畫

四季
90X130cm /布面油畫/ 2010

父親
90X130cm /油/ 2009油畫

在看伊通《序幕》這個展之前有看過她上一個展，當時我看到的是下圖這一件作品，它在一個只有一扇門的黑色房間，光線只有從那扇門打進來的，當我走進房間時空間自動變的密閉，讓走進去房間的人只能專注的看著前方的雕塑走去，當我站在它的面前時，整個空間只剩下我和它，我不知道我在想什麼也不知道要思考什麼，就只是靜靜的看著它。

後來看了伊通的個展，發現這位藝術家所創作的領域很廣泛，從雕塑、錄像、裝置到繪畫，都有種特殊的空間感，尤其在平面繪畫我最能感受到，不管是裝置上真實的空間還是平面上虛實的空間，我都還蠻享受的。

作品概念(期中)

概念

(雞)肖像代表自己。

因為家庭事業，我覺得我就像是雞養大的小孩，在顏色上是從有意識開始填上，各個部分都有者要色調，有些怪異的搭配表達在人生轉變的過程所呈現的不適應。

為什麼肖像會是一張人頭照?!對於已過世的人(沒有見過面的祖先們)，我們真的能夠靠一張肖像而定位這個人跟我們之間的關係嗎?!在我的印象中，那些遺照我都是看過就忘的，就像毎天都會有不知道多少擦肩而過的路人一樣陌生。

是否有另一種形式可以讓我們在肖像前多停留些時間，增加人與人(肖像)之間的互動，透過怎樣的肖像讓我們去思考理頭的圖形及顏色。

創作方式電腦繪圖

大小不拘

材料框(各種材質)、數位輸出、圖釘、吊繩、掛勾

形式

(一)改變視覺上的肌理，構圖形式的編排。

(二)[他方面進行]為他人做出肖像。[輸出店]

J我對於這個人的看法及瞭解程度。

(三)[動畫]一隻雞+旁白+音效

J讓畫面帶出能在腦海中產生畫面感的形式

(四)相框動畫

Bill Viola[錄像藝術家]

1.從中世紀宗教畫汲取靈感

利用古畫的構圖以及題材以現代手法重新詮釋，無論是西方的祭壇畫像或是東方式的哲思作品，無疑是作者對於宗教圖像的聯想延伸，以及對生活靜觀凝視後的深刻體驗。

2.「強烈情感」多聯屏影像系列

Bill Viola表示：「雙聯屏或三聯屏的宗教畫像是現代人的筆記型電腦，折疊後便於攜帶，假如把影像放在液晶螢幕上，不也可以成為觀賞影像的新媒介？」由此，他發展一系列關於人類情緒的肖像組合，均以這種聯屏形式呈現。

Bill Viola以高速攝影進行拍攝，之後經過數位影片掃描轉成每秒低格速進行播放，以極緩慢的速度移動，讓觀者進入不尋常的時間流裡體驗情緒的細微變化。

3.「致千禧年的五個天使」錄像裝置系列

除了悲傷題材之外，Bill Viola也嘗試不同創作主題以及媒材。每個長約1.2公尺寬3.9公尺大的螢幕，在長方形的暗室空間以左邊兩個螢幕、右邊三個螢幕的投影模式呈現。五個畫面標題包括〈啟程天使〉、〈誕生天使〉、〈 熾火天使〉、〈昇華天使〉、〈創造天使〉。Bill Viola採用極慢速度來呈現每個畫面，包括正轉與倒轉影像的效果，而攝影角度也分別以水中仰視、高空俯視的方式，呈現人物從高處躍入深水的過程。而聲音方面他使用真實的環境音，進而詮釋五個天使降臨人間的瞬間。

4.「日間行進」錄像裝置系列

〈日間行進：五種循環影像〉作品為柏林古根漢美術館委託創作，創作概念源自於《埃及度亡經》中所謂「在日光下前行的寶典：當靈魂由肉體的黑暗中解放出來，終於能在日光下前行時之導引」這五件分別長達四十五分鐘的高畫質動態影像，同步播放著〈浴火重生〉、〈小徑〉、〈洪水〉、〈出航〉、〈曙光〉等標題作品。

5.「淨化」多聯屏影像系列

Bill Viola的「淨化」系列包括七個部分，分別是〈接近〉、〈抵達〉、〈裸現〉、〈齋沐〉、〈淚池〉、〈浸入〉、〈消解〉等。以雙畫面並置的方式於電視中呈現，一男一女各自進行為其轉化和重生的象徵動作，帶有濃厚的儀式性意涵。

6.時序漸變中的一道靈光

《南特三聯幅》〈Nantes Triptych〉由左到右描寫出生時刻、人生以及瀕臨死亡，此作品的影像正是Bill Viola自我的寫照並可以窺探出他的創作主軸以人類的生活經驗為基礎，探討生命、死亡、感官、淺意識等議題並回歸藝術傳統。

在他的錄像裡的人都變得更加猙獰

因為時間變的過於緩慢

有太多的情緒需要被演出者抒發出來

一切都在拉扯

包括水所濺出的水花、臉部的表情、肢體動作

時間雖然慢了，但所有的ㄧ切卻比正常時間要來的更激烈

更令人印象深刻

跟現實生活比起來還要真實多了

minim++

工具的壽命

木材，金屬工具，觸摸傳感器，投影儀，電腦，等等。 

1200×1200×500 

[互動裝置] 

2001年

生活中，我們都被各種工具所包圍，然而 我們通常認為，一個勺子的工具是吃東西用的，和一把梳子是梳理頭髮用的， 但是不是要有其他的目的呢？

讓我們來探討在一所房子在午夜！ 

有關於在月光桌面工具。 如果你觸摸一體輕聲陰影變換成各種形狀。 即使工具不改變自己的形狀，他們的身影可能顯示他們的真實人物。

在我們的生活中有太多事物被我們輕易的忽略

也總是把事情定義的太過於表面

久而久之生活越來越不有趣

過著習慣的生活，當然也就乏味

然而

這兩位藝術家讓我們看到任何物件能被使用的可能性

如果人類不要這麼死腦筋

生活就會更有趣

或許就不會壓力這麼大了

Josef Albers & James Turrell[色彩]

Josef Albers 
作畫時顏色一試再試，每個方塊的長寬比都經過仔細推敲。
用有系統、有秩序、實驗性、簡潔的構成，專注於探討畫面內在的造形與色彩的呼應關係與均衡，追求形與形間，色與色間的關係，他的作品是一種方形連續圖案，這些方形的圖案與色彩造成微妙的關係，造形本身產生一種位移的效應。

James Turrell

他渴望賦予光線形體，最初的做法是把投影機的光束投射到房間的角落，讓燈光看起來像是一個佔據空間的立方實體。後來使用戶外光，把窗戶漆上顏色，然後在漆面上刮線，讓光透過極細窄的空隙進入室內化成不同形狀 。

比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式

 

Josef Albers

對材料、形式與色彩的純粹化、簡約化的探索鑽研，使其自1949年起持續發展《向方形致敬》(Homage to the Square)系列畫作，此系列的典型構圖係畫面上三或四塊方形單色色塊以等距離逐一內縮，平面上的色塊呈現出嚴謹的幾何層次進而賦予觀者三度空間的視覺感，此系列也成為他最著稱的藝術「標誌」。

他探討形與色關係的藝術與觀念對美國現代抽象藝術的發展產生重大的衝擊與影響，開拓幾何抽象繪畫的新領域，也成為美國「歐普藝術」(OP Art)與「硬邊藝術」(Hard-edge painting)的先驅。

James Turrell

他說：「我的作品是創造一個空間讓光得以棲息，而觀者如何面對這個空間。通常，我們張著眼，卻對光線視而不見，這提醒了我，我們必須要有另一種觀看的方式。」

Turrell 的作品必須是純粹的光，帶有貼近宗教體驗的神祕感，絕對不讓觀者看見人造光源。
他是為了創作而瘋狂的藝術家。舉例說他的代表作《羅丹火山口》就是極有名的地景藝術，甚至有人稱之為歴史上野心最大的藝術作品。70年代中，Turrell 以積蓄買下一架小型飛機，在幾個月之間在美國西部到處飛，想要找尋一座被平原環繞的小山做作品。花大錢買下一座死火山和周邊的幾個牧場，窮數十年的時間與精力，在山中挖掘地道和房間，改變火山口的形狀，從裏面看到的是真實的天空，卻也是藝術家精心建構的幻象。

看了這些簡單的幾合色塊後我領悟到，在我們追求更多變的同時，有時卻也忘寄簡單卻值得我們在想起的是，雖然看起來都是極為簡單的色塊，但是透過位置的排列，顏色的不同形狀的大小這些簡單的原素，甚至是很微小的差異都可以讓整體產生視覺上改變，我最喜歡Josef Albers"對正方形致敬"這件作品，只是統一的造形重疊，以及顏色上的改變就讓我產生了空間感 。