2014年10月27日 星期一

Bill Viola[錄像藝術家]





1.從中世紀宗教畫汲取靈感
利用古畫的構圖以及題材以現代手法重新詮釋,無論是西方的祭壇畫像或是東方式的哲思作品,無疑是作者對於宗教圖像的聯想延伸,以及對生活靜觀凝視後的深刻體驗。
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2.「強烈情感」多聯屏影像系列
Bill Viola表示:「雙聯屏或三聯屏的宗教畫像是現代人的筆記型電腦,折疊後便於攜帶,假如把影像放在液晶螢幕上,不也可以成為觀賞影像的新媒介?」由此,他發展一系列關於人類情緒的肖像組合,均以這種聯屏形式呈現。

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Bill Viola以高速攝影進行拍攝,之後經過數位影片掃描轉成每秒低格速進行播放,以極緩慢的速度移動,讓觀者進入不尋常的時間流裡體驗情緒的細微變化。

3.「致千禧年的五個天使」錄像裝置系列
除了悲傷題材之外,Bill Viola也嘗試不同創作主題以及媒材。每個長約1.2公尺寬3.9公尺大的螢幕,在長方形的暗室空間以左邊兩個螢幕、右邊三個螢幕的投影模式呈現。五個畫面標題包括〈啟程天使〉、〈誕生天使〉、〈 熾火天使〉、〈昇華天使〉、〈創造天使〉。Bill Viola採用極慢速度來呈現每個畫面,包括正轉與倒轉影像的效果,而攝影角度也分別以水中仰視、高空俯視的方式,呈現人物從高處躍入深水的過程。而聲音方面他使用真實的環境音,進而詮釋五個天使降臨人間的瞬間。

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4.「日間行進」錄像裝置系列
〈日間行進:五種循環影像〉作品為柏林古根漢美術館委託創作,創作概念源自於《埃及度亡經》中所謂「在日光下前行的寶典:當靈魂由肉體的黑暗中解放出來,終於能在日光下前行時之導引」這五件分別長達四十五分鐘的高畫質動態影像,同步播放著〈浴火重生〉、〈小徑〉、〈洪水〉、〈出航〉、〈曙光〉等標題作品。

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5.「淨化」多聯屏影像系列
Bill Viola的「淨化」系列包括七個部分,分別是〈接近〉、〈抵達〉、〈裸現〉、〈齋沐〉、〈淚池〉、〈浸入〉、〈消解〉等。以雙畫面並置的方式於電視中呈現,一男一女各自進行為其轉化和重生的象徵動作,帶有濃厚的儀式性意涵。
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6.時序漸變中的一道靈光
《南特三聯幅》〈Nantes Triptych〉由左到右描寫出生時刻、人生以及瀕臨死亡,此作品的影像正是Bill Viola自我的寫照並可以窺探出他的創作主軸以人類的生活經驗為基礎,探討生命、死亡、感官、淺意識等議題並回歸藝術傳統。

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在他的錄像裡的人都變得更加猙獰

因為時間變的過於緩慢

有太多的情緒需要被演出者抒發出來

一切都在拉扯

包括水所濺出的水花、臉部的表情、肢體動作

時間雖然慢了,但所有的ㄧ切卻比正常時間要來的更激烈

更令人印象深刻

跟現實生活比起來還要真實多了

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工具的壽命

木材,金屬工具,觸摸傳感器,投影儀,電腦,等等。 

1200×1200×500 

[互動裝置] 

2001年




生活中,我們都被各種工具所包圍,然而 我們通常認為,一個勺子的工具是吃東西用的,和一把梳子是梳理頭髮用的, 但是不是要有其他的目的呢?

讓我們來探討在一所房子在午夜! 
有關於在月光桌面工具。 如果你觸摸一體輕聲陰影變換成各種形狀。 即使工具不改變自己的形狀,他們的身影可能顯示他們的真實人物。




在我們的生活中有太多事物被我們輕易的忽略

也總是把事情定義的太過於表面

久而久之生活越來越不有趣

過著習慣的生活,當然也就乏味

然而

這兩位藝術家讓我們看到任何物件能被使用的可能性

如果人類不要這麼死腦筋

生活就會更有趣

或許就不會壓力這麼大了

2014年10月19日 星期日

Josef Albers & James Turrell[色彩]

Josef Albers 
作畫時顏色一試再試,每個方塊的長寬比都經過仔細推敲。
用有系統、有秩序、實驗性、簡潔的構成,專注於探討畫面內在的造形與色彩的呼應關係與均衡,追求形與形間,色與色間的關係,的作品是一種方形連續圖案,這些方形的圖案與色彩造成微妙的關係,造形本身產生一種位移的效應。


James Turrell
他渴望賦予光線形體,最初的做法是把投影機的光束投射到房間的角落,讓燈光看起來像是一個佔據空間的立方實體。後來使用戶外光,把窗戶漆上顏色,然後在漆面上刮線,讓光透過極細窄的空隙進入室內化成不同形狀 

比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式

 
Josef Albers
對材料、形式與色彩的純粹化、簡約化的探索鑽研,使其自1949年起持續發展《向方形致敬》(Homage to the Square)系列畫作,此系列的典型構圖係畫面上三或四塊方形單色色塊以等距離逐一內縮,平面上的色塊呈現出嚴謹的幾何層次進而賦予觀者三度空間的視覺感,此系列也成為他最著稱的藝術「標誌」。
他探討形與色關係的藝術與觀念對美國現代抽象藝術的發展產生重大的衝擊與影響,開拓幾何抽象繪畫的新領域,也成為美國「歐普藝術」(OP Art)與「硬邊藝術」(Hard-edge painting)的先驅。

James Turrell
他說:「我的作品是創造一個空間讓光得以棲息,而觀者如何面對這個空間。通常,我們張著眼,卻對光線視而不見,這提醒了我,我們必須要有另一種觀看的方式。」
Turrell 的作品必須是純粹的光,帶有貼近宗教體驗的神祕感,絕對不讓觀者看見人造光源。
他是為了創作而瘋狂的藝術家。舉例說他的代表作《羅丹火山口》就是極有名的地景藝術,甚至有人稱之為歴史上野心最大的藝術作品。70年代中,Turrell 以積蓄買下一架小型飛機,在幾個月之間在美國西部到處飛,想要找尋一座被平原環繞的小山做作品。花大錢買下一座死火山和周邊的幾個牧場,窮數十年的時間與精力,在山中挖掘地道和房間,改變火山口的形狀,從裏面看到的是真實的天空,卻也是藝術家精心建構的幻象。










看了這些簡單的幾合色塊後我領悟到,在我們追求更多變的同時,有時卻也忘寄簡單卻值得我們在想起的是,雖然看起來都是極為簡單的色塊,但是透過位置的排列,顏色的不同形狀的大小這些簡單的原素,甚至是很微小的差異都可以讓整體產生視覺上改變,我最喜歡Josef Albers"對正方形致敬"這件作品,只是統一的造形重疊,以及顏色上的改變就讓我產生了空間感 。

Sascalia[絢麗色彩拼貼]

Sascalia是一個自學成才的混合媒體藝術家。 她出生在法國的農村長大。 從小就被馬和周圍鄉村的熱愛影響,靈感來自童話故事,她聽了一個孩子。 在11歲時她全家移民到英國,她開始在學校學習,學習說話和寫英文。 她繼續學習藝術和紡織品,但從來不追求它作為一種職業在這個階段。 然後,她結了婚,有三個孩子。 一旦她最小的孩子到了上學的年齡,Sascalia重新發現了她對藝術的熱情,並開始在網上銷售自己的作品。 她的網上業務迅速成長,藝術成了她的全職職業。 來自半農村英格蘭東南部她家的工作室工作,她創造利用各種媒介,如丙烯酸和水彩顏料,拼貼元素和油墨她的作品。 自然,樹,花,鳥在她的藝術都產生了重大影響,以及童話故事。 她的作品既含有豐富的色彩和現代而具有異想天開復古的感覺,帶來神奇的夢幻景象一樣生活。 她的藝術是欽佩和世界各地收集,並已刊登在各種博客,雜誌和小型畫廊,以及在最近的一本書的功能。
英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

英国艺术家Sascalia的一组充满着色彩的绚丽插画

作品中幾乎都有花和樹,應該說大自然脫離不了他的創作,我喜歡的地方是充滿復古風的質感,以最純樸鄉村的意象,利用各式的材料本身固有的材質來拼貼,有種美好夢幻的憧憬感,我也認為他的製造出來的畫面是人們都羨慕的生活好居所。

2014年10月13日 星期一

森山大道[視界如犬般狂妄]


森山大道1958年曾任自由身平面設計師,因受美國攝影師威廉·克萊因 (William Klein)作品《紐約》啟發而投身攝影。1959年跟隨岩宮武二任助手學習攝影,1961年轉到東京發展,原欲參加攝影師組成的團體VIVO,但VIVO剛巧解散,森山轉而擔任攝影師細江英公的助理。1966年,於東京澀谷與中平卓馬共同開設事務所。1968年參與攝影團體《Provoke》(挑釁)第2號,同年出版攝影集《日本劇場寫真帖》。
森山大道的作品曾於世界多個國家展出。1999年,美國舊金山現代藝術博物館舉辦森山大道巡迴回顧展《Stray Dog》(野犬),顯示森山大道的攝影風格受到美國藝術界肯定。《Stray Dog》其後於紐約大都會美術館及日本協會畫廊巡迴舉行;2002年則於紐約倫敦舉行展覽。2003年,法國卡地亞基金會為森山大道於巴黎舉辦大型回顧展。2008年,日本東京都攝影美術館舉辦《夏威夷》回顧展。其他曾舉辦展覽城市包括科隆、蘇黎世、阿姆斯特丹、米蘭、奧斯陸等。2012年10月於香港舉辦《反射與折射——森山大道寫真展》。

森山大道的攝影風格獨特,擅長於以特別角度,粗糙、模糊、高反差及粗微粒的黑白照片,加上黑房後期製作技巧,表達強烈的效果。其作品主要以輕便相機Ricoh GR21拍攝。曾於其自傳作品《犬的記憶》中自稱流浪,自我形容為「像一條狗,在路上像排泄似地在街頭各處拍攝照片」



我覺得森三大道是我所認知的攝影照片中,是最不美的,他不像其他的攝影師拍美麗的事物,而是將所有正在運作或停止的,都拍的寫實露骨,尤其是他的黑白攝影照來看,毎一件事都變的直接又現實。
而他的許多作品也在藝術與色情之間互相爭論,但如果是數於藝術的部分,我就會覺得無聊。

舟越桂[鬼斧神工]



舟越桂日本當代雕刻家,以半身木刻人像作品聞名,深遠沉邃的面容表情,分岔沒聚焦點的視線,勾勒出哲學家氣質的人物;人如作品,舟越桂在創作中也是這般沈著,猶如馬拉松跑者的堅毅、智者的萬事萬物了然於胸。

 每一件作品即是由素描人像開始,將概念、構想、靈魂注入素描中;幾乎等身大小的人像素描,在舟越桂的創作過程裡並不只是草稿或設計圖而已,有時甚至比完成作品更具魅力。進入雕刻階段又從零開始,方正的楠木塊,各面畫上頭型輪廓,接著削掉多餘量體;雕刻過程並非每次下刀都完全篤定,就連他自己也會有猶豫的時候,該削掉多少,臉部輪廓線曲線、骨骼與肌肉比例,來來回回的觸摸與檢視,舟越桂笑稱這是他的撞牆期,不過不會太久,不出幾日便將人像頭型細節調整成型,他說:創作時,並不會安排好安全的製作流程,有時是毫無章法的,就因為雕刻有自己的生命,在製作過程中會產生新的火花。

舟越桂認為人像如果只刻出頸部以上的頭部,重點就在於呈現個性和人格,那不是他所想要的,他要的是人體的存在感,因此將雕像拉大到人體腹部以上的半身,這樣存在感才會特別強烈。人像的表面上色也是追求真實感,也承襲著傳統木雕像設色的型式,將人像的皮膚、頭髮、服裝上色 ; 而上色往往要塗刷許多次顏料,配合上鑿刀雕琢的刀痕與打磨修飾的平滑部份,人像上總是堆疊著豐富的肌理,平順光滑的區域對比著疤痕的組織區塊,就像水墨畫的留白,讓整個木材質有了喘息的空間。人像臉上不太平整的地方,那對他來說是一種和諧,讓所有東西都連成一氣,充滿了共鳴。這麼詩意的質感處理也只有創作者能恰如其分的拿捏精準了。如此質感的人像作品,也讓舟越桂成為日本美妝大廠資生堂的男性形象代言人,將東方內斂沈穩、柔和雅致的色調和質感展露無遺。










看到這為日本當代的藝術大師的雕刻,時在是太令人感到喜歡了,因為我時在受不了一般的銅石雕像,我特別喜歡脖子特別長的部分,將整個人體的比例都換掉,我在想人到底是什麼樣的生物,是從看他的作品中忽然想到的ㄧ個問題?!